SPRECHDENKEN.

(English version below)Ein Gespräch zwischen Katrin Bucher Trantow, Michael Endlicher und Johannes Rauchenberger 

Katrin Bucher Trantow: Wir haben ausgemacht dort in unserem Gespräch zu beginnen, wo wir zuletzt kuratorisch mit dir gearbeitet und diskutiert haben. Also bei der Ausstellung Einatmen–Ausatmen im Kultum in Graz und der dort prominent gezeigten Arbeit WHO IS AFRAID OF NEW NORMAL? Diese Arbeit, eine Komposition aus einzelnen Buchstabenbildern, die sich zum Titelsatz formen, ist eine mehrteilige Malerei auf einem einfachen Plakatständer. Sie nimmt den Neologismus der „neuen Normalität“ auf, was 2020, ausgelöst durch Corona und die Maßnahmen dagegen, auf Verunsicherung und Angst in einem sich zusehends verhärtenden System hinweist. Für uns war die Arbeit schon deswegen zentral, weil sie sehr präzise auf akut und plötzlich evident werdende neuralgische Punkte von Abhängigkeiten und Zugehörigkeiten verwies. Es wurde in deinem Satz unangenehm bewusst, in welchen stillschweigenden Übereinkünften man selbst in der Gesellschaft lebt und – durch die Art der Präsentation –, wie diese über die Medien definiert werden. Ging es dir bei der Arbeit auch um diese Beobachtung?

Michael Endlicher: Absolut. Ich kann mich erinnern, wie ich einen Artikel über die Folgen dieser „neuen Normalität“ studiert habe. Die Essenz für mich habe ich dann als Frage formuliert. Ihr habt jedenfalls beim Text zur Ausstellung über diese Bilder gesagt, es wären Variationsmöglichkeiten, die in ihrer Zeit auf kairotische Momente reagieren. Kairos, das ist der mit der Haarlocke vorne, die man schnappen - und damit eben den günstigen Augenblick „beim Schopf packen kann“, oder?

Johannes Rauchenberger: Genau. Kairos bedeutet die Fähigkeit, mit dem Moment umzugehen und ihn als Momentum zu nützen und zu fassen. Und das scheint mir, ergänzend zu dem, was Katrin gesagt hat, damals für mich ein bewegender Faktor für die Ausstellung, aber eben auch für das Bild gewesen zu sein. Den kairotischen Moment sehe ich nicht nur in der Frage WHO IS AFRAID OF NEW NORMAL?, sondern überhaupt im sichtbar offenen Zusammenstellen deiner Buchstaben-Bilder, die ich in meiner Wahrnehmung in dieser Zeit und in diesem Jahr das erste Mal gesehen habe. Mir scheint, dass das Zusammenfügen von Buchstaben in Worte in einer Zeit passiert ist, die auseinandergefallen ist oder die ganz viel destabilisierende Momente gehabt hat.

ME: Das ist richtig, die Buchstabenbilder gibt es zwar seit 2018, aber das Mit-ihnen-Schreiben hat eine Weile gebraucht. Ich glaube, das war eines der ersten Male, wo ich so direkt auf eine aktuelle Situation reagiert habe.

JR: Das bringt uns zu STAYING ALIVE. Die Arbeit hast du, wie ich es wahrnahm, in einer Zeit gepostet, als niemand rauskonnte, als der erste Lockdown war. Das heißt, du hast mit STAYING ALIVE auf etwas reagiert: da war nämlich wirklich Angst in der Gesellschaft; Angst, selbst existenziell betroffen zu sein. Also Angst davor, dass einen die unbekannte Krankheit selber erwischt. Und dass in dieser Zeit die leibhaftige Kommunikation untersagt wurde.

ME: Ja. Und auf der anderen Seite, rein formal, finde ich es einfach schön, diese Buchstabenbilder so einzupassen, dass sich wieder ein großes Tafelbild-Format ergibt. Das geht nicht mit jedem Satz. Man kann ihn auch in einer Zeile hängen, wie jetzt über eurer neuen Bar in Graz. Das funktioniert gut, aber wie gesagt, ich finde es spannend, wenn sie einen größeren Block ergeben, der sich nicht sofort inhaltlich erschließt. Und STAYING ALIVE war eben auch so ein Block.

KBT: Worauf du jetzt hinweist, ist, dass es sich bei diesen Buchstaben-Malereien immer um Bilder handelt, also einzelne Fragmente, die du komponierst und wie ein Bild aufbaust. Es geht also um eine Beziehung zwischen Form und Inhalt. Ich denke, aus diesen letzten Sätzen geht schon klar hervor, dass es sich um das Zeichen und die Übereinkunft dahinter, also um Bezeichnungen, dreht. Und diese finden wir auch im Phonetischen. In der Erinnerung an die Wortmelodie. Wenn wir über gemeinsame Sprache sprechen, sind stehende Sätze, die jeder kennt, häufig Lieder. Wenn man deine Arbeiten anschaut, hat man oft eine Klangebene dabei. Weil man sie mühsam abliest, zusammensetzt und spricht. Man hört deine Bilder also auch – so wie eben STAYING ALIVE, was natürlich besonders nachschwingt ... Ich denke zumindest unsere Generation hört den Song der Bee Gees. Da gibt es jedoch durch deine Arbeitsweise eine Verschiebung, die ich so spannend finde. Eben vielleicht den Kairos-Moment, den ihr angesprochen habt. Also dass du hier herausgefunden hast, wo Wahrnehmungsverschiebungen passieren. Eben vielleicht damals, als wir zum ersten Mal 2020 aus der Presse mitgeteilt bekommen, dass es jetzt um die „Existenz“ geht!

ME Ja! Ich erinnere mich an „Bald wird jeder jemanden kennen, der an Covid gestorben ist”... Der damalige Bundeskanzler …

KBT: ... schien uns plötzlich zu drohen, ja. Und damit wurde aus STAYING ALIVE, dem ehemaligen „happy song“ und der darin implizit enthaltenen Aufforderung zum Fest und zu „Genieße den Tag!”, plötzlich ein „Bleib gesund! Zieh dich zurück!” und „Genieße NICHT den Tag!”. Ich empfand das durchaus als eine Drohung.

JR: Und über „Bleib gesund” hinaus auch der Subtext: „Habe Angst!”, „Du musst Angst haben!”. Wer fürchtet sich vor der neuen Normalität? Auch das ist ein Aspekt dieser Verschiebung...

ME: Genauso wie die Frage, ob diese neue Normalität je vorbei sein wird? Was wird danach kommen? Was wird bleiben?

KBT: Das ist die Ebene der politischen Übereinkunft. Und das ist scheinbar genau das, was wir häufig unbewusst als normal bezeichnen. Aber was ist heute als normal anzusehen? [1] Was du angesprochen hast, Johannes, ist die Frage der Definitionsmacht und der Kontrolle. Durch plötzliche Verschiebungen der Normalität spürten wir vielleicht erstmals deutlich, dass und wie kontrolliert Normverhalten ist. Denken wir nur an die plötzliche Definition der Systemrelevanz, die etwa die Kultur ausgrenzte. Plötzlich diktierte ein „Kontrollstaat” ungewohntes Verhalten. Die dafür verwendete Sprache zeigte sich als Steuerungstool.

ME: Aber auch als Widerstands-Tool für „Gegen-Messages“, als Untergrundbotschaft. So wie bei einem anderen Slogan: „Ich kann nicht glauben, was ich glaube.“ Künstlerisch wichtig ist mir, dass so eine vielleicht widerständige Botschaft eben doch in einem konservativen Medium wie dem Tafelbild eingebettet ist. Das hat mich ja ursprünglich zu diesen Arbeiten gebracht, der Reiz, mit diesen Tafelbildern zu schreiben, Botschaften zu schicken, das Tafelbild erzählen zu lassen.

JR: Wobei ich finde, dass zumindest in diesen Buchstaben-Bildern das malerisch Erzählerische ausgeblendet bleibt. Es ist schwarz-weiß, es erinnert eher an Lettern, an gemalte Lettern im Sinne der alten Buchdruckerkunst, nur eben vergrößert. Das Erzählerische ist meines Erachtens weg.

ME: Fast weg! Der weiße Hintergrund ist ja bei jedem einzelnen Bild „gestaltet“, mit reduzierten Grau- und Farbtönen, malerischen Strukturen, zart, aber man sieht das durchaus, mal mehr, mal weniger. Die Bilder sind formal geprägt durch die Schablonen-Buchstaben, die mit schwarzem Lack gesprayt werden. Es gibt aber auch da immer wieder einen Versatz, einen bunten Schatten darunter oder eine farbliche Überlagerung zum puren Schwarz. Die Arbeiten bewegen sich also in einem sehr strengen, geschlossenen Gestaltungsfeld. Aber jedes ist dennoch ein eigenständiges Bild, sie sind nicht austauschbar.

KBT: Ich glaube, das Wesentliche ist, dass sie gemalt sind und eben nicht gedruckt. So können sie auch besser zeigen, dass sie abseits des Zeichens mit Bedeutung auch eine gebildete Form sind.

ME: Und die von mir so geschätzte Typo verstärkt das noch, weil sie eben in vielem nicht automatisch an Buchstaben gemahnt. Zum Beispiel das „K“, das ist doch ein sehr schönes, eigentlich freies Zeichen, oder?

JR: Das ist jetzt schon ein Kontrapunkt zu meiner Beobachtung des Nicht-Erzählerischen. Für dich ist es schon auch erzählerisch oder ist es nur die Beglückung, ein einzelnes Bild gemalt zu haben? Worauf ich hinauswill: Wie ist das Verhältnis von gemeintem Bild und gesetztem Zeichen, behandelst du die Schablone sozusagen als unbekanntes Zeichen?

ME: Also, es ist auf jeden Fall so, dass es mich beglückt, dass das Zeichen auch als Bild funktioniert. So hat es ja auch begonnen: Ich habe ein Alphabet gemacht mit dieser Typografie, mit diesen Zeichen, so dass der Buchstabe, wenn du so willst, allein dagestanden ist. Und daher hat es auch eine Zeit lang gedauert, bis ich damit zu schreiben, zu erzählen begonnen habe. Also: Es ist beides. Ich gebe dir dennoch recht, das Erzählerische ist im Hintergrund, weil es sich um einen sprachlichen Setzkasten handelt. Aber es ist natürlich möglich und auch intendiert, dass ich mit diesen Farben etwas ausdrücke, das hat ja schon funktioniert, zum Beispiel bei der Installation im Kunstraum Nestroyhof. [2] Das Malerische kann darin sehr wohl erzählen ...

KBT: … wobei da das Malerische über die Zusammensetzung der einzelnen Teile erzählt!

ME: Ja – und so einen Bedeutungszusammenhang herstellt.

KBT: Aber es geht Dir darum, dass du den einzelnen Buchstaben aus seinem klassischen Bedeutungszusammenhang herausholst. Der einzelne Buchstabe hat in unserem Schriftverständnis wenig Sinn.

ME: Aber man weiß, dass man damit etwas tun kann ...

KBT: Wenn du ihn dann malerisch und grafisch reduzierst, dann deutest Du dabei seine Konstruiertheit an. Das „K“, ein besonders schönes Beispiel, besteht nur aus zwei Farbflächen, die sich nicht berühren.

ME: Das ist ein formales Element, das der Schablonen-Technik geschuldet ist. Schablonen müssen nun mal so gemacht sein, dass der Buchstabe aufgeteilt wird in einzelne Teile, damit man Stege hat. Denn ohne diese fallen ja Teile raus und man bekommt teilweise nur große Löcher gesprayt. Im konkreten Fall entstehen dadurch eben spannende Zeichen. Also ist es hier eigentlich die Technik, die die Poesie macht.

JR: Aber bei deinen neuen signs geht es um die Überschreitung oder um die Verschmelzung mehrerer Zeichen in den Buchstaben.

ME: Ja, das ist genau das, was wir in diesem kleinen „AZ“ sehen. Das war das allererste „sign”. Noch in der Größe der Buchstabenbilder, 50x40 cm, wo ich zwei Buchstaben, also zwei Schablonen überlagert habe und es ist ein völlig neues Zeichen entstanden. Das war ein Art Aha-Erlebnis für mich. Und ich dachte, jetzt mache ich sozusagen ein neues Alphabet, eine neue Zeichenserie aus dieser Idee. Und dann hat sich auch mal die Frage gestellt, was passiert, wenn man Zeichen einfach umdreht? Sie sind manchmal noch stärker geworden. Dieser Vorgang hat mich elektrisiert und ich musste das größer machen – um dieses Erzählerische, Malerische in den Vordergrund zu stellen.

KBT: Diese Arbeiten erinnnen an Zeichen, die ich im urbanen Raum, beispielsweise als Graffiti sehe. Codes die ich nicht unbedingt lesen kann. Ich erkenne aber, es sind Codes für andere. Sind es Versuche, Codes zu entziffern oder sind es Anleitungen zur Spekulation?

ME: Ich würde sagen, es sind Versuche, Codes oder Tags zu erzeugen. Und ich würde mir wünschen, dass das Publikum versucht, diese zu entziffern. Ob sie wirklich zu entziffern sind, weiß ich nicht.

JR: Aber wie ist das entstanden – dieses Überlagern? Aus welchen Motivationen heraus, einfach aus ästhetischen, formalen Gründen?

ME: Es war einfach ein spielerischer Vorgang, ehrlich gesagt. Ich habe mir nichts Böses dabei gedacht. Ich habe ein A genommen, dann ein Z. Naheliegendes. Und dann war das für mich plötzlich ein neues, griffiges Zeichen. Das war ein idealer Beginn.

JR: Wenn ich die hier so sehe, ergibt sich für mich die Assoziation, dass das gefundene Zeichen die Möglichkeit eines neuen Bildraumes beansprucht. Der Bildraum bekommt dann eine dezidiert malerische Bearbeitung im Sinne der Malereigeschichte: Tiefenwirkung, Dreidimensionalität, Landschaft.

ME: Stimmt. Jedenfalls sind die ersten signs tendenziell einfacher, graphischer, die jüngeren vielleicht ausgefeilter, malerischer.

KBT: Hast du Vorbilder?

ME: Du meinst, konkrete Künstler-Kolleg:innen? Neben jenen aus meinem Video I am Gerhard Richter? Es ist jedenfalls nicht so, dass ich, wenn ich das Zeichen schwarz-weiß konstruiert habe, dass ich jetzt irgendwelche Bilder in meinem Kopf durchgehe oder in Büchern studiere, in dem Sinne, das würde jetzt in diese oder jene Richtung tendieren. Es ist eher umgekehrt. Sie sind fertig und ich denke mir: „Hallo, das erinnert mich an… whatever.“ Es ist jetzt auch nicht mein Ziel, irgendwelche Ismen zu treffen oder zu karikieren. Was mich antreibt, ist zu sehen, dass diese Zeichen eine Art von Charakteristik, sozusagen einen Charakter entwickeln können.

KBT: Der Buchstabe auf Englisch heißt „Character“. Und tatsächlich können wir den einzelnen Buchstaben bei dir so etwas wie Persönlichkeit zusprechen.

JR: In der Entstehungsgeschichte von Sprache oder in der Entstehungsgeschichte des Alphabets war es so, dass der einzelne Buchstabe einen bildlichen Abstraktionswert hatte. Gerade die semitischen Sprachen sind dafür Zeugen, wie etwa aus einem Aleph und dem Haus ein Bet wurde, wo also Konnotationen da waren, die Abstraktionen von Wirklichkeiten zum Ausdruck gebracht haben. Von daher wäre die „Charakteristik“ der Charaktere eine Neuauslotung dieser alten Ursprünge und Symboliken der Buchstaben. Wie ich überhaupt finde, dass dich das umtreibt: Die Möglichkeit, in den Buchstaben und dann in den Worten weitere Bedeutungen zu finden.

ME: Das ist sehr gut zusammengefasst.

JR: In der „Steinbruch-Methode“ in puncto Religion, die du, wie ich finde, anwendest, gibt es zum Beispiel in deiner aktuellen Ausstellung [3] einen Bilderturm, der ganz offensichtlich auf den Turmbau zu Babel Bezug nimmt. Ein Buchstaben-Turm, der zumindest mit der Geschichte des Turmbaus von Babel besser verstehbar ist. Welche Rolle spielt jetzt der „religiöse Steinbruch“ für dich?

ME: Wie meinst du das?

JR: Es gibt mehrere Arbeiten, die darauf Bezug nehmen – so wie deine Videos immer wieder von Litaneien getragen werden. Überhaupt: „Litanei“ – das ist nicht selbstverständlich, dass man das Wort überhaupt kennt. Wie sehr kann man also in den Bereich der Religion hineingreifen mit ihren Codes, Zeichen, Wörtern, Erzählungen, die man heutzutage oft gar nicht mehr kennt?

ME: Also auf die Litaneien angesprochen...

JR: Das greift zu kurz – ich meine nicht nur die Litanei! Kannst du eigentlich kurz erklären, was eine Litanei ist?

ME: Eine Litanei ist, na ja, ein formalisiertes Sprechen im religiösen Kontext. Ein ritualisiertes Sprechen der Wiederholungen, Anrufungen und der Bitten, um aber damit auszudrücken, dass man selbst sich einer Idee annähert bzw. unterwirft.

JR: Bist du eigentlich jemals mit Litaneien in deiner Biografie in Kontakt gekommen? Oder war es eher ein analytischer Zugang, dass es „so etwas“ gibt?

ME: Ich war immer fasziniert vom ritualisierten Sprechen, zum Beispiel in der Messe, wie diese „Abläufe“ funktionieren. Das hat mich interessiert, vom Formalen her. Und der nächste Gedanke war dann, dass man durch das Sprechen, durch das Aussprechen, etwas verändern will, dass man auf die Wirkung, auch auf den „sound“ setzt. Auf den Sprechakt, diese faszinierende linguistische Theorie, bin ich erst viel später gestoßen. Ich spreche etwas aus, ein Urteil, ein Gelöbnis, ein Eheversprechen – oder was auch immer – und ich kann dadurch tatsächlich etwas verändern. Die Wirklichkeit verändert sich. Nach dem Urteilsspruch ist oft nichts mehr so wie vorher. Und dann erst die Beschwörungsformeln…

JR: Oder: „Ich verzeihe dir.“, zum Beispiel.

ME: Ja, genau. Plötzlich ist das Leben nicht mehr so wie vorher. Das finde ich einfach faszinierend. Und das beschäftigt mich nach wie vor.

JR: Es geht dir also um dieses Formale des Sprechens, aber dann so verfremdet, dass man diese Akte der Hingabe oder der Sprache in der Wirklichkeitsveränderung so kreativ hinterfragt, dass dann etwas Neues daraus wird?

ME: Idealerweise ja. So weit, dass – dann sind wir beim Dadaismus – eben die radikale Verneinung, die radikale Zerstörung von Sinn übrigbleibt. Also ich stoße dich total vor den Kopf, indem ich etwas vollkommen Sinnloses sage. Was dann auch wieder einiges bewirkt, nicht?

JR: Ich lese hier einen Satz von Hugo Ball …

ME: GROSSIGER MPFA HABLA HOREM ... Das ist der 2. Satz aus Hugo Balls Karawane, ein wunderbares Dada-Gedicht, wie ich finde. Das habe ich in den Turm eingebaut, während die anderen Buchstaben bzw. Satzzeichen ja zufällig ausgewählt sind.

JR: Die „Botschaft“ dieses Turms wäre demnach, dass alle Versuche, irgendeine Bedeutung der Kombinationen von Buchstaben herauszulesen, scheitern müssen.

ME: Also wenn man diesen Mythos 1:1 neu bebildert, dann wäre es wohl so. Andererseits, wenn wir an Borges und seine Bibliothek von Babel denken, dann wäre auch da sehr wohl eine Bedeutung zu finden, oder?

JR: Sehr eindrucksvoll in deinem Werk finde ich auch die Beobachtung, wie wir in der Gesellschaft überhaupt mit Sprache umgehen: Zuvor hast du von performativen Sprechakten gesprochen. Aber die Sprache kann sich auch schnell banalisieren, indem man sie quasi moralisch einer political correctness unterwirft: „Ich entschuldige mich“, zum Beispiel, wie in deinem Video Ich möchte Folgendes klarstellen. Wir haben das ja bei Einatmen – Ausatmen gezeigt, weil es auch von der Verflachung der Redlichkeit im Namen einer scheinbar neuen Moralität erzählt.

KBT: Faszinierend ist dabei schon die schier endlos wirkende Liste widersprüchlichster Gruppierungen, bei denen wahllos sich entschuldigt oder eben distanziert wird. Das Video zeigt die Absurdität des Versuchs einer maximalen Inklusion und politischen Korrektheit und deren, wie Johannes sagt „Verflachung”, in der es keinen eigenen Standpunkt, sondern nur noch Haltungslosigkeit gibt. Dafür hast du deine Stimme, die letzte Zuschreibung an dich als Person, auch noch manipuliert.

ME: Genau. Ich wollte diese Thematik an und in mir selber sozusagen verkörpern, dieses Korrekt-Sein, dieses vermeintliche Korrekt-Sein, dieses Alter-weißer-Mann-Sein konterkarieren. Und dann ist mir die Idee der Vermischung aus Mann und Frau gekommen, das konnte ich am besten mit der weiblichen Synchronstimme lösen. Ich empfinde das auch als Irritation, als etwas, das dich verunsichert. Ich finde, man braucht eine Weile, um das zu begreifen und zu verarbeiten: Was ist mit der Stimme los? Was ist das – Computerstimme, Synchronisation? Es ging mir darum, das Ganze noch körperlicher zu machen.

JR: Körperlich sind deine Videos ja alle. Ich habe den Eindruck, dass du im Medium Video Vieles existenziell ausgelotet hast: Zuletzt auch bei Aber Aber Aber, wo du im Neusiedlersee fast untergegangen wärest, in der Thematisierung nämlich: „Wann fange ich an, mich endlich zu ändern?“ Es gibt unentwegt Ausreden.

ME: Das war wieder so ein „kairotischer” Moment, als ich eine Zeit lang wirklich exzessiv zum Klimawandel gelesen habe, und mich dann auf den Plattformen den Kommentaren ausgesetzt habe. Das war ein Sammeln und ein Aufzählen, was die Leute da so absondern.

JR: Mich würde folgendes Gedankenexperiment interessieren: Weil diese Videos so viele existenzielle, politische und gesellschaftskritische Momente beinhalten, verbunden mit einer hohen performativen Qualität: Welche Rolle spielt jetzt der Buchstabe – er war ja der Ausgangspunkt unseres Gesprächs. Gibt es eine Entwicklung von einem existenziellen Erschöpfungszustand hin zu einer „neuen Abstraktion“, die dann vielleicht ein Buchstabe herbeiführen könnte?

ME: Ich sehe das relativ pragmatisch. Es sind zwei Dinge, mit denen ich mich auseinandersetze: Das ist Malerei. Und das ist Sprache. Einerseits bin ich Maler. Die Auseinandersetzung mit der planen Fläche, mit der Farbigkeit, mit der Gestaltung des beschränkten Platzes. Und so weiter. Das ist das eine. Und dann ist da die Sprache, der Text, das Sprechen, die Kommunikation. Es gibt nicht nur den einen Aspekt, das Erscheinungsbild, die Zeichen, die Buchstaben, sondern man muss sie auch hören. Und man muss sprechen, man muss Dinge zuschreiben. Man muss sich mit der alltäglichen Verwendung von Sprache auseinandersetzen.

KBT: Du beschreibst es selber: Wenn du sprichst und körperlich fühlst, was du sprichst, führst du auch aus, was du sprichst. Das tust du auch malerisch. In diesem „Verkörpern” zeigt sich etwas, was ich für deine Arbeit als sehr wichtig empfinde: Es hat mit Raum und Zeit zu tun.

ME: Ja, es geht immer auch um die Materialität von Sprache.

KBT: Genau, und die kann ich mit Erfahrung verbinden. Wenn ich diese neuen Bilder anschaue, gibt es viele Zeichen, die sich überlagern, also verschiedene Phasen ab-bilden. Manches veränderst du vollkommen, du überschreibst es?

ME: Absolut. Manche von den Zeichen sind sozusagen ein Wurf, wo mir klar ist, was zu tun ist, wie zum Beispiel bei diesem Trompe-l'œil-Bild, dem sign #33. Da war mir von Anfang an klar: Dieses Zeichen ist so gebündelt, da ist alles eher um ein Zentrum oder um eine Achse herum angeordnet – im Verhältnis zu verspielten, zackigen Sachen. Und da war klar, das muss ich mit einer Trompe-l'œil-Idee umsetzen. Dann war aber sehr viel Arbeit an der Idee nötig. Es hat etliche Entwürfe gebraucht, bis ich das Richtige hatte, das ich dann eins zu eins gemalt habe. Bei anderen ist es so, dass ich zwar weiß, dass das Zeichen etwas „hat“, etwas „kann“, sodass ich mit ihm etwas machen „muss“ - aber es findet dennoch nicht und nicht zu seiner Umsetzung. Und schließlich gibt es manche, wo man schnell in die Umsetzung geht, aber sehr viele Layouts dann am Bild selbst übermalt werden.

KBT: Mittlerweile gibt es mehr als 40 davon, richtig?

ME: Ja, und es geht visuell immer weiter. Das 39er-sign hier, wo ich zum ersten Mal mit Collage gearbeitet habe, ist auch ein gutes Beispiel zum Thema Zeit. Ich habe dafür eine eigene große Schablone produziert. Um die gut sprühen zu können, damit das schön flach liegt, habe ich auf die Schnelle irgendetwas aus dem Atelier genommen und die Schablone damit beschwert. Das hat mich dann so angesprochen, dass ich es fotografiert und in einem späteren Stadium, als das Bild fast fertig war, wieder appliziert habe. Das heißt, in ihnen sind die verschiedenen Entwicklungsphasen abzulesen.

KBT: Und es ist auch Thema, dass man das jetzt eindeutig sieht …

ME: So ist es.

KBT: Die signs sind jedenfalls sehr unterschiedlich. Einige, würde ich sagen, spielen mit Überzeichnung, Ironie.

ME: Ja. Viele Menschen, die sie betrachten, wollen unbedingt etwas darin sehen. Aber darum geht es in der Entstehung überhaupt nicht.

KBT: Es hat viel mehr von einem Gefunden-Werden.

ME: Gefunden-Werden, ja, das trifft es.

JR: Sag Michael, bleibt in deinem Schaffen das Video neben dem Malen in Werkgruppen bestehen – oder ist das Format für dich nun überholt?

ME: Das bleibt, absolut. Es bleibt alles gleichberechtigt. Es wird weiterhin alle bisherigen medialen Zugänge geben. Und ich habe jetzt mit den Buchstabenbilderobjekten auch die Skulptur als neues Medium, sodass ich mich im Raum bewegen kann. Das tut mir gut.

KBT: Und dann kann der Turm auch wieder einstürzen.

ME: Genau. Das wäre zum Beispiel ein hübsches Video.

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[1] Im Sommer 2023 erlangte der Begriff „normal“ neue politische Brisanz, ausgelöst durch eine Aussage der LHF von NÖ, Johanna Mikl-Leitner, in einem „Kommentar der anderen” in der Tageszeitung Der Standard: Und die normal denkende Mehrheit der Bevölkerung fühlt sich immer weniger gehört.

[2] In dieser großen Wand-Schrift-Arbeit hatte ich zwei Textebenen konzipiert, die eine direkt auf die Wand gesprayt und im gleichen Text dann mit farbig akzentuierten Bildern die zweite Textebene hineingearbeitet. Zum Beispiel: Die rot markierten Bilder bildeten den Namen des Architekten des Jugendstilhauses, Oskar Marmorek, die gelb markierten den Namen der letzten rechtmäßigen Besitzerin vor der Arisierung, Anna Stein, und die blauen Buchstaben waren als Programmschiene der Ausstellung zu lesen: raumbezogen.

[3] BABEL, Sternstudio, Wien, 2022
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Der Text erschien in Michael Endlicher – Zeichen Setzen, Verlag Eremitage am Kamp, 2023

Katrin Bucher-Trantow, Kunsthistorikerin. Seit 2003 ist sie Kuratorin im Kunsthaus Graz, seit 2012 fungiert sie als Chefkuratorin und stellvertretende Direktorin.

Johannes Rauchenberger, Kunsthistoriker, Theologe, Kurator
und Autor. Seit 2000 leitet er das Kulturzentrum bei den Minoriten in Graz.

 

 

THINKTALK.

A conversation between Michael Endlicher, Katrin Bucher Trantow and Johannes Rauchenberger

Katrin Bucher Trantow: We have agreed on starting our talk where we last worked and discussed with you in our function as curators. That is the exhibition EINATMEN – AUSATMEN (Breathing in – Breathing out) in the Kultum in Graz and the work WHO IS AFRAID OF NEW NORMAL? prominently shown there. This work, a composition of individual letter paintings forming the title sentence, is a multi-part painting on a simple poster stand. It takes up the neologism of “new normality” referring to feelings of uncertainty and fear triggered in 2020 by Corona and its countermeasures within an increasingly hardening system. For us, this work was central first of all because it referred in a very precise way to acute and suddenly evident neuralgic points of dependencies and affiliations. This sentence made people unpleasantly aware of the tacit social agreements one lives in and – by the way it was presented – how they are defined via the media. Did this observation also play a role for you in this work?

Michael Endlicher: Absolutely. I can still remember studying an article on the consequences of this new normality. Its essence I then turned into a question. Anyway, in your text on the exhibition you said about these paintings they were variation possibilities reacting in their time to kairotic moments. Kairos is the one with the forelock, which we can snatch – and thereby take the favourable moment “by the forelock”, isn’t he?

Johannes Rauchenberger: Exactly! Kairos represents the ability to deal with the moment and to use and to grab it as momentum. And, in addition to what Katrin said, this seemed to me at the time a motivating factor for the exhibition but also for the painting. I do not only see the kairotic moment in the question WHO IS AFRAID OF NEW NORMAL?, but generally in the open arrangement of your letter paintings, which I seem to have seen for the first time at that time and in that year. It appears to me that the joining together of letters into words happened at a time that was falling apart or that had lots of destabilising moments.

ME: That is correct, there have been letter paintings since 2018 but it took me quite a while to start writing with them. I think this was one of the first times when I reacted to a current situation in such a direct way.

JR: This takes us to STAYING ALIVE. The way I see it, you posted this work at a time when nobody could go out, when there was the first lockdown. This means that with STAYING ALIVE you reacted to something: namely a genuine fear in society; the fear to be affected in one’s own existence. That is the fear to come down with the unknown illness oneself. And that communication in person was forbidden during this period.

ME: Yes. And on the other hand, formally, I simply like it to assemble these letter paintings in such a way that they result in a large panel format. This is not possible with every sentence. It can also be hung in one line, like now above your new bar in Graz. This works well, but, as I’ve said before, I find it interesting when they result in a larger block whose meaning does not become accessible immediately. And STAYING ALIVE was just such a block.

KBT: What you are pointing out now is that these letter paintings are always pictures, that is to say individual fragments that you compose and structure like a painting. So it is all about a relationship between form and content. I think that these last sentences already clearly indicate that it is about the sign and the agreement behind it, in short about designations. We also find those in their phonetic representation. In the memory of the word melody. When we talk about common languages, familiar catchphrases are often songs. Looking at your works often means adding a sound level. Because one laboriously deciphers them, puts them together and says them out loud. Thus your paintings can also be heard – just like STAYING ALIVE, which obviously reverberates in a special way… I think at least our generation hears the song of the Bee Gees. However, there is a shift due to your working practice, which I find extremely fascinating. Maybe just the Kairos moment you two have been talking about. That you found out here where shifts in perception are taking place. Perhaps at that time in 2020 when we were told by the media for the first time that now our “existence” was at stake!

ME: Yes! I remember „Soon everybody will know someone who died of Covid”…The Federal Chancellor at that time ….

KBT: … suddenly seemed to threaten us, yes. And in this way STAYING ALIVE, the former “happy song” with its implicit invitation to celebrate and to “Enjoy the day!” suddenly changed to “Stay healthy! Withdraw!” and “Do NOT enjoy the day!” I absolutely felt that to be threatening.

JR: And beyond “Stay healthy” the subtext “Be afraid!”, “You have to be afraid!” Who is afraid of the new normality? This is also an aspect of this shift.

ME: Just like the question if this new normality will ever be gone? What will come afterwards? What will stay?

KBT: This is the level of political agreement. And apparently this is just what we often unconsciously call normal. But what is regarded as normal today? [1] What you have addressed, Johannes, is the question of normative power and control. Due to sudden shifts in normality we might have realised for the first time that standard behaviour is controlled and to what extent. Only think of the sudden definition of systemic importance excluding for example culture. The “intervening state” suddenly dictated unusual behaviour. The language that was used for this purpose revealed itself to be a controlling tool.

ME: I had to use it as a tool of resistance for “counter messages”, for underground messages. Like in another slogan, “I cannot believe what I believe.” Artistically, it is important for me that such a possibly oppositional message is still embedded in a conservative medium like the panel painting. This is what originally led me to these works, the temptation to write with these panel paintings, to send out messages, to make the panel painting tell something.

JR: I think that at least in these letter paintings the painterly narrative is cut out. It is black and white; it is reminiscent of letters, of painted letters in the sense of the old art of printing, just enlarged.

ME: Almost cut out! The white background of each painting is “designed”, with reduced shades of grey and colour, painted structures, delicate, but definitely visible, once more, once less. Formally, the paintings are characterised by the stencil letters which are sprayed with black varnish. But even there is a misalignment once and again, a colourful shadow below or a coloured overlay with the pure black. Thus the works are realised in a very strict, closed design field. Yet, each of them is an individual painting, they are not exchangeable.

KBT: I think that the essential point is that they are painted and not printed. In this way, they can also show better that beyond the meaningful sign they are also a shaped form.

ME: And the stencilled lettering typography enhances this because many of its features do not automatically evoke letters. For example the “K” is a really beautiful, basically free sign, isn’t it?

JR: This is a real counterpoint to my observation on the lack of narrative. Is it also narrative for you or is it only the joy of having painted an individual picture? The point I want to make is: What is the relationship between the intended picture and the formed sign, do you treat the stencil as if it was an unknown sign?

ME: In any case I am delighted about the fact that the sign also works as picture. And it is the way it all started: I created an alphabet with this font, with these signs, so that somehow the letter was left alone. For this reason it also took some time until I started using it to write, to tell something. So: it is both. However, I agree with you that the narrative is in the background because it is a linguistic type case. On the other hand it is possible and also intended that I use these colours to express something, which has already worked, for example at the installation in the art room Nestroyhof. [2] The painterly aspect of the work can definitely tell something.

KBT: … since the painterly aspect gives information about the composition of the individual parts!

ME: Yes – and thus creates a meaningful connection.

KBT: But you want to take the individual letter out of its classic contextual meaning. In our understanding of writing the individual letter does not have a lot of meaning.

ME: But we know we can do something with it.

KBT: By reducing it pictorially and graphically you are hinting at its constructedness. The “K” is an especially good example; it consists only of two areas of colour that do not touch each other.

ME: This is a formal element owed to the stencil technique. Stencils simply have to be made in such a way that the letter is divided into individual parts in order to create gutters. If you don’t have those, parts will fall out and you will partly end up with only large holes. And in this particular case fascinating signs are created due to this condition. So here it is actually the technique that creates the poetry.

JR: But your new signs are about the transgression or the fusing of several signs into the letter.

ME: Yes, that is just what we see here in this little “AZ”. This was the very first “sign”. Still in the size of the letter paintings, 50x40cm, where I superimposed two letters, that is two stencils and created a completely new sign. That was a sort of aha-moment for me. And I thought, now I am, so to speak, turning this idea into a new “alphabet”, a new series of signs. And then the question came up what would happen if signs were simply turned around? They sometimes became even stronger. I was electrified by this process and I had to enlarge it – to place special emphasis on this narrative, painterly aspect.

KBT: These works remind me of signs that I see in urban areas, for example as graffiti. Codes that I cannot necessarily read. But I realise they are codes for others. Are they attempts to decipher codes or instructions for speculation?

ME: I would rather say they are attempts to create codes or tags. And I would like the audience to try to decipher them. If they can really be deciphered, I do not know.

JR: But how did this come about – this process of superimposing? What was the motivation behind it, did you do it for simply aesthetic, formal reasons?

ME: To be honest, it was a playful procedure. I thought nothing bad. I took an A, then a Z. Something obvious. And then this suddenly became a new, catchy sign for me. That was an ideal beginning.

JR: Seeing them here evokes for me the association that the found sign claims the possibility of a new visual space. Then the visual space receives a decidedly painterly treatment in the historical sense of painting: depth effect, three dimensionality, landscape.

ME: That is true. In any case the first signs tend to be simpler, more graphic, the more recent ones perhaps more sophisticated, more pictorial.

KBT: Do you have any role models?

ME: You mean specific fellow artists? Besides those from my video “I am Gerhard Richter”? Anyway, I do not construct the sign in black and white and then go through any pictures in my head or in books, in the sense this would now tend to go in this or that direction. It is rather the other way round. They are ready and I think, “Hey that reminds me of…whatever.” Neither is it my aim to strike any isms or to caricature them. What drives me on is seeing that these signs can develop some sort of characteristic, a character as it were.

KBT: In English the letter is called “character”. And in fact we can attribute some sort of character to your individual letters.

JR: In the genesis of language or in the genesis of the alphabet each individual letter possessed its pictorial abstract value. Especially the Semitic languages testify to this, for example how an Aleph and a house turned into a Bet; that is to say where connotations existed that expressed abstractions from realities. Consequently, the “characteristic” of the characters would be a new exploration of these old origins and symbolisms of letters. Personally, I think that this is generally on your mind: the possibility to find further meanings in letters and then in words.

ME: This is a good summary.

JR: I think you are using the “quarry method” as far as religion is concerned, for example in your current exhibition [3] there is a picture tower which quite obviously refers to the Tower of Babel. A letter-tower that becomes at least more comprehensible with the story of the Tower of Babel. Which role does the “religious quarry” play for you now?

ME: What do you mean by that?

JR: There are a few works that refer to it – just like your videos that are carried on by litanies over and over again. After all: “litany” – it is not a matter of course that people even know this word. How far can one reach into the field of religion with its codes, signs, words, tales, which are often no longer known today?

ME: So, if you ask about the litanies ...

JR: That does not go far enough – I do not only mean the litany! By the way, could you briefly explain what a litany is?

ME: A litany is a formalised way of talking in a religious context. A ritualised reciting of repetitions, invocations and requests in order to express one’s approach or submission to an idea.

JR: Have you ever been in contact with litanies in your biography? Or was it more of an analytical approach that there is “something like that”?

ME: I have always been fascinated by ritualised speech, for example in mass, how these “procedures” function. This has interested me formally. And the next thought was that by talking, by saying something one wants to change things; that one relies on the effect, also on the “sound”. It was only much later that I came across the speech act, this fascinating linguistic theory. I utter something, a judgement, a vow, a promise of marriage – or whatever- and by doing so I can actually change something. Reality changes. After a judgement there is often nothing as it was before. And then think about incantations.

JR: Or "I forgive you“, for example.

ME: Exactly. Suddenly life is not like it was before. I find this simply fascinating. And I am still preoccupied with this idea.

JR: So you care about this formal element in speaking but in such an alienated form that these acts of surrender or of speech are scrutinised by changing reality in such a creative way that something new emerges?

ME: Ideally yes. So far that – then we are at Dadaism – the radical negation, the radical destruction of meaning remains. So I totally offend your sensibilities by saying something completely meaningless. Which then again will bring about quite a lot, won’t it?

JR: I am reading here a sentence by Hugo Ball ...

ME: GROSSIGER MPFA HABLA HOREM ... That is the second sentence from Hugo Balls Caravan a great Dada poem in my opinion. I built it in the tower whereas the other letters or punctuation characters were chosen randomly.

JR: Thus the "message“ of this tower would be that every attempt at discerning any meaning of the letter combinations is bound to fail.

ME: Well, if you think about this myth one to one in new pictures it would probably be like that. On the other hand, if we think of Borges and his Library of Babel then it would definitely be possible to find some meaning, wouldn’t it?

JR: What really impresses me about your work is your observation on the way how we in society deal with language in general: You have just addressed performative acts of speech. But language can also be easily banalised by, quasi morally, subjecting it to a political correctness: “I excuse myself” for example, like in your video Ich möchte Folgendes klarstellen ( I would like to clarify the following). We have shown this in EINATMEN – AUSATMEN (Breathing In – Breathing Out) because it also tells about the banalisation of integrity in the name of a seemingly new morality.

KBT: In this work the almost endless list of the most contradictory groupings is really fascinating; indiscriminately, they combine excuses or expressions of distancing oneself…The video shows how absurd it is to try to realise a maximum of inclusion and political correctness as well as their, like Johannes says “banalisation”, which does not define an individual position but only shows a lack of attitude. For this purpose you have also manipulated your voice, the last attribution to you as a person.

ME: That is right. In a manner of speaking I wanted to represent this issue at and in myself, thwarting this being correct, this seemingly being correct, this being an old white man. And then I had the idea to mix up being male or female, which I could best realise with the female voice over. I also perceive this as an irritation, as something unsettling. I think it takes a while to understand and to digest it: What is wrong about the voice? What is it – computer voice, synchronisation? What I intended was to make all of it more physical.

JR: After all, all your videos are physical. I have the impression that you have fathomed out a lot with the medium video. Most recently in Aber Aber Aber (But, But, But ) (BILD_11) where you almost went down in the Lake Neusiedl… making “When will I finally start to change?” the subject of discussion. There are constantly excuses.

ME: This was once again such a “kairotic” moment when I excessively read about climate change for a while and then exposed myself to the comments on various platforms. What people came up with there was gathering and enumerating.

JR: I would be interested in the following thought experiment: Since these videos contain so many moments that are existential, political and critical of society, combined with a high performative quality: which role does the letter play in this context – it was the starting point for our conversation after all. Is there a development from an existential state of exhaustion to a “new abstraction”, which might be induced by a letter?

ME: I see this in a relatively pragmatic way. There are two things I am dealing with: that is painting. And that is language. On the one hand, I am a painter. I deal with the flat surface, with colour, with the composition of limited space. And so on. That is one aspect. And then there is language, the text, speech, communication. There is not only one aspect, the visual appearance, the signs, the letters, but one also has to hear them. And one has to speak, has to attribute things. One has to deal with the mundane use of language.

KBT: You describe it yourself: when you talk and physically feel what you are saying, you also execute what you are saying. You do the same in painting. In this “embodiment” one can perceive something that is very important for your work: it has to do with space and time.

ME: That is right. I am always also concerned with the materiality of language.

KBT: Precisely, and I can connect that with experience. Looking at these new pictures there are many signs that are superimposed over each other, i.e. that de-pict different stages. You change some parts completely; do you overwrite them?

ME: Absolutely. Some of the signs are so to say an instant achievement where I clearly know what to do, like for example with this trompe l'oeil picture, the sign #33. In this case I knew from the start: this sign is so bunched, everything is arranged more around a centre or around an axis – in comparison to fanciful, jagged things. And so I knew I had to realise it with a trompe l’oeil idea. But then the idea needed a lot of work. It took quite a lot of sketches until I had the right one, which I then painted one-to-one. With other signs I may know that a sign “has got” something, “can” something so that I “have” to do something with it, yet I repeatedly fail to realise it. And finally, there are some that I quickly start realising but then paint over a lot of layouts on the painting itself.

KBT: By now there are more than 40 of them, is that right?

ME: Yes, and it goes on and on visually. This 39 sign, where I worked for the first time with collage, is also a good example for the issue time. To realise it, I produced its own, large stencil. In order to spray it well, so that it lies really flat, I quickly took something random from the studio to weigh down the stencil. This then appealed so much to me that I took a photo and later on, when the painting was almost done, applied it again. This means that their different stages of development can be read from them.

KBT: And being able to see that clearly is also part of the topic.

ME: That is right.

KBT: At any rate the signs are very different. I would say some play with overdrawing, with irony.

ME: Yes, they do. Many spectators insist on trying to see something in them. But in their creation this does not matter at all.

KBT: It is more about being found.

ME: Being found, yes that is the best explanation.

JR: Will the video remain a part of your work besides painting in groups of works or is the format now obsolete for you?

ME: It will absolutely remain. Everything remains equally important. I will continue to use all the medial approaches that I have used until now. And due to the letter painting objects I have now also gained sculpture as a new medium so that I can move in space.

KBT: And then the tower can collapse again.

ME: Exactly. This would be an example of a nice video.

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[1] In the summer of 2023 the term “normal” gained a new explosive nature due to a statement by the head of the Lower Austrian provincial government, Johanna Mikl-Leitner in a “Comment of the others” in the daily paper Der Standard: And the majority of the population who think in a normal way feels heard less and less.

[2] In this large wall-letter-work I had conceived tWo text levels, one was sprayed directly on the wall and the second text level was incorporated into the same text with colour-coded pictures. For example: the pictures accentuated by the colour red formed the name of the architect of the art nouveau house, Oskar Marmorek, the ones accentuated by yellow the name of the last legal owner before its Aryanisation, Anna Stein, and the blue letters should be read as line-up of the exhibition: space-oriented.

[3] BABEL, Sternstudio, Vienna, 2022

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The Text was published in Michael Endlicher - Setting Signs (Zeichen setzen), Eremitage am Kamp, 2023

Katrin Bucher Trantow
Born in Switzerland, she studied art history in Basel. Since 2003 she has been curator in the Kunsthaus Graz, since 2012 she has also acted as chief curator and deputy director of this institution. 

Johannes Rauchenberger
The art historian and theologian is curator for contemporary art, publicist and lecturer at the Universities of Vienna and Graz. Since 2000 he has been in charge of the cultural centre at the Minorities in Graz.